⑴ 浅谈如何上好高中美术鉴赏课
必然会使得本应充满活力的艺术学科在学生面前变得黯然失色。那么，如何克服这种求知的浮躁，让他们爱上这个课堂，在课改的大背景下，作为一名高中美术教师，如何与时俱进，上好一堂美术课是摆在我们面前的一个重要课题。 [关键词]：角色观念；因材施教；互动；结合实际 新课程标准指出：“应通过美术学习，使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性，人类社会的丰富性，并在一种广泛的文化情境中，认识美的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。”这就是说。跨入新世纪，社会发展对未来教育和人才培养提出了新的要求，传统的教育观年和教育模式已经不能适应新时期的要求。作为处在改革阵地前沿的教师，在具体的教学实践中应该如何培养学生参与课的能力，如何上好美术课，让学生爱上美术课，本文将从如下几个方面方面来谈谈笔者的见解与体会。 一、转变教师角色与观念是上好美术课的重要前提 当课程由专制走向民主，由封闭走向开放，教学被看成是师生交往，积极互动，共同发展的过程。在这一过程中，教师与学生将分享彼此的知识和经验，交流彼此的感受和体验。我认为，教师的角色可以做出相应的转变。教师不再是知识的传播者和管理者，而是学生发展的促进者和引导者。教师由教学中的主角转向“平等中的首席”。为了能充分调动学生积极性和参与性，我对每个要点都尽可能的以问题的形式提问学生：例如在《原始人的创造》一课中，当我问到有人说原始美术起源于劳动，有人说原始美术起源于游戏，有人说原始美术起源于巫术，你倾向于那种观点，谈谈自己的看法时？有的同学说：“游戏”也有的同学说：“巫术”还有同学说：“劳动”。突然我听到有个同学轻声到：“也许三个可能都有”。是呀，为什么不可能是三个都有呢？他们是相辅相成，共同催近的呢？这位同学看似不太守纪律的话到提醒了我，这样的问题他们提的多好呀？于是我马上微着鼓励那个提问题的同学把刚才的问题再说一遍，请其他同学也回答一下，结果一些同学都认同他的观点，因为游戏也存在于劳动中，劳动的丰收又和巫术紧密相连，巫术又是可能通过游戏的方式表现出来的。等他们发表了自己的看法后，我在此基础上通过实例与他们一起来分析原因。 其次，教师要引导学生寻找，收集和利用学习资源，营造开放式的课堂气氛。让学生始终在课堂上处于一种积极的，活泼的，兴奋的状态。引导学生围绕问题的核心进行探索和讨论，建立和谐，民主，平等的师生关系。引导学生分享彼此的思想成果，并重新审视自己的想的下一代。 二、结合实际，教学形式多变以吸引学生是上好美术课的重要保证 在美术欣赏的教学中，为保证学生对美术欣赏课的兴趣的持久性，避免学生产生厌学情绪，笔者多采取不同的方法进行教学。 其一、教师授课结合现代化的多媒体教学手段。 将一些优秀的作品汇集在一起，在欣赏过程中，将不同地区的风土人情、地域地貌、人文景观、历史等等有机组合在一起，再配上当地音乐，让学生有身临其境的感受，更深入地了解作品的内涵。 其二、教师的授课方式不能光唱独角戏，做好师生互动。 在欣赏与学习的过程中，教师要给学生发表自己观点的机会，而不能从头讲到尾，即便教师运用动听的语调，做到声情并茂，学生还是会感到枯燥无味。因此，让学生积极参与讨论问题，教师及时接收反馈信息，以提高教学效果。 其三、教师在授课过程中可以适当强化美术作品相关故事情节的讲述，以此激发学生对美术课堂学习的兴趣。 在美术欣赏课上，要充分调动学生的积极性，充分发挥学生的个性特点,通过引入与美术作品有联系的事物或知识，来引导学生对美术作品的理解，以达到欣赏的目的。这样，不仅能提高同学们对美术欣赏课的兴趣，而且也利于对美术作品的理解，还可以加强与学科之间的联系和拓宽知识面。例如《美术家眼中的自己》一课的教学活动是“尝试为自己画一幅自画像，并与同学交流一下自己的感受；或者从相册中挑出你认为最能体现自己个性特点的一张或几张照片，谈谈自己喜爱的理由”，按旧的标准来说，这样的课根本没有“知识点”。我认为它的目标之一就是培养每一个人个性化的审美观。又如《战争与和平》的教学设计中我要求学生以毕加索《格尔尼卡》为参照，以南京大屠杀为题创作一副作品。学生通过作品表现了对战争的反思，表达出如何才能让惨剧不在重演，让和平永驻人间的美好情感，绘画的训练要求为这种情感提供了表现和宣泄的载体。再如《我们怎样运用自己的眼睛》，这一课的标题就很能说明编者的意图，每个学生的眼里都有一个属于自己的王国，他们在欣赏艺术作品中寄托的情感就很不一般，这样非常有利于培养学生对自己个性审美和想象的肯定与自信。 三、以点代面用比较的方法进行美术欣赏教学是上好美术课的最终目的 “教学有法却无定法，教无定法乃至法”。欣赏教学工作也应当是一个创造活动；在欣赏教学中必须采取合适的多样的教学方法，结合一定的多媒体手段，充分调动激发学生的兴趣，充分尊重学生的学习主体，紧紧围绕形象展开活动。引导学生发掘每件作品中独自特有的最突出、最本质、最感人的美点，并能对其做深刻分析，让学生在一次又一次的剖析中发挥创造和想象，逐渐培养他们的艺术修养和创造性审美能力。要教会学生运用一定的理论去学习对美术品的欣赏，通过感知与体验对美术作品作出正确的认识，正确的把握创作者的思想意图评价，最后教会学生掌握欣赏的基本方法让学生能够独立自主的进行欣赏，以此达到提高审美的教学目的。
⑵ 漂亮是美术鉴赏的标准吗教案艺术美初探
第6课漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美 一、教材分析 （一） 教学目标 美术鉴赏究竟鉴赏什么？这对于一般人来说是一个实际而又不清楚的问题。从本课开始，我们将进入美术鉴赏的专业知识学习阶段。我们在本课遇到的首先是美术作品的艺术美和形式美问题，这对于鉴赏美术作品是至关重要的。因此，本课的教学目标就是让学生了解：1.什么是美术作品的艺术美和形式美；2.美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。 （二） 内容结构 本课主要包括三大部分。 第一部分是通过法国雕塑家罗丹的作品《欧米艾尔》提出，美术作品的艺术美是艺术所特有的美，以改变一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。因为一般人的这种观念是根深蒂固的，它不仅影响了人们对美的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。由此强调美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。 紧接着在第二部分“什么是艺术美？它有哪些表现？”中对“艺术美”及其表现作出说明。这里涉及到“美术形象”这个概念，可以参照第3课对“艺术形象”这个概念的解释。不过本课所说的“美术形象”或“艺术形象”已经不是指某种具体美术类型中的特定形象，更不是指像具象艺术中的人物、环境、道具等可辨形象，而是包括了三种美术类型在内的美术作品所塑造出的“美术”的形象，是美术作品整体形象的体现，即存在于整个美术作品之中。美术作品的艺术美就存在于这种整体的美术形象之中。 第三部分“什么是形式美？如何理解和把握形式美？”是从潘天寿的作品《雄视》开始讲解什么是形式美的，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。这里先简单解释了什么是“形式”，然后具体说明构成形式的三个主要方面：1.美术的语言元素（点、线、面、色）及其所形成的形态变化；2.语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；3.语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。美术作品的形式美主要就来自于此。 （三） 教学的重点与难点 学习和掌握美术作品的艺术美和形式美是美术鉴赏进入专业层面的标志，也就是使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态，进入更高的审美阶段，作为“培养审美的眼睛”的开始。因此，本课教学的重点在于说明，美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。 本课教学难点，主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。也就是说，美术作品的艺术美和形式美既可以通过知识的学习掌握，但在很大程度上又纯粹是一个个人的感觉问题。同时，本课还将涉及到大量抽象的概念，这也将为本课的教学增加不少的难度。在这部分应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。 这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，但教师需要对此有较清晰的认识。美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。一般来说，美术作品的艺术美是由艺术家通过美术的语言元素和语言规则创造出的艺术所特有的美，其中包括内容与形式两个方面。也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。在这一点上，它与美术作品的形式美具有同一的来源。但二者所指不同，所谓“艺术美”主要强调的是艺术独立于现实的自身所特有的自在的美，这种美在现实中也许可以直接看到，但也许根本看不到，它是由美术作品集中提示出来的。而形式美尽管也是由艺术家借助美术的语言元素、语言手段和语言规则从现实中提炼而出，但它则更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。但美术作品的艺术美和形式美之间的渗透和包容关系又使得这个问题变得非常复杂，教师应注意不要在这个问题上作过多的纠缠，只要简单地指明美术作品的艺术美和形式美的独立性和与现实的区别即可。因为在这个问题上需要不断学习和大量的积累，才能有更准确的把握与理解。这是一个长期的学习过程。 二、教学内容资料 （一） 作品分析 欧米艾尔（雕塑，1885年）罗丹（法国） 罗丹（Auguste Rodin,1840—1917）出生于巴黎拉丁贫民区一个贫穷的基督徒家里，父亲是一名小职员，母亲是受雇于人的女佣。罗丹自小就参加了各种手工艺劳动，做过首饰匠、珠宝匠、泥水匠、木匠、模塑工，由此他逐步爱上了美术。父亲虽不同意，但姐姐却很支持他，以自己微薄的工钱供他学习，因此罗丹得以进入巴黎一所专门培养工艺美术技工的图画与数学学校学画，但不久便因买不起油画颜料而转入雕塑班，并成为当时著名动物雕塑家巴耶的学生。三年的学习使他打下良好的传统雕塑基础，但他三年报考巴黎美院而不中，一个主考官给他的评价是：“此生毫无才能，继续报考，纯系浪费。”这给他很大的打击，但更大的打击还是姐姐的过世。从此他心灰意冷，便进入一家修道院出家了。有幸的是，修道院院长埃马尔神父发现了他的才能，便鼓励他继续从事艺术创作，还在修道院内专门为他安排了一间画室。为了表达对神父的感激之情，罗丹为神父做了一件胸像，从这件胸像中已可以看出罗丹的不同凡响之处了。 《欧米艾尔》实际上是罗丹对从前的一个模特儿、一个老年的意大利女人所作的敏锐研究中得到的灵感，通过畸形、丑陋的形体，表达了对生命的强烈悲哀和绝望。罗丹以极写实的手法，记录了老年人身上一切不忍目睹的肉体形态。但是罗丹绝不是仅仅为了再现老年人丑陋的肉体，而是用无与伦比的丑陋形态，象征人贪欲的结局，即对人因追求享乐而犯下的“罪恶”及其堕落的报应和惩罚。这在资本主义金钱竞争、享乐造成灾难的年代，无疑是一种反思，是用丑陋的肉体形象对当代人类行为的反思，也是对人的悲剧命运的反思。这种丑陋衰败的结局展示人类追求享乐的代价。因此，《欧米艾尔》这个人体雕塑越是丑陋，越是表现出作者对人类深沉的同情，体现出人类追求享乐的巨大代价。而越是丑得真实、丑得可信，越是具有较大的现实意义。罗丹用其丑无比的肉体形象，表现了当代人的罪恶、堕落、痛苦、绝望，也表现了作者对当代人的批判、同情、歌颂。 艾普色姆的赛马（油画，92厘米×122.5厘米，1821年，巴黎卢浮宫藏）热里柯（法国） 热里柯（Jean Louis Theodore Gericault，1791—1824）生于卢昂一个律师的家里，幼年即随家迁往巴黎。热里柯在19岁时进入格兰的画室，格兰认为他具有非凡的才华。热里柯早期的作品即己表现出他的大度和热情。由于自小喜爱骑马，以后他成为画马的能手。他在1816—1817年去意大利时，迷恋上米开朗基罗和意大利巴洛克画家的作品。热里柯到达罗马后，不是一头扎进美术馆里，而是在街头发现自己的生活：人民广场正在举行一年一度的罗马狂欢节，一群无鞍马选手准备参赛，这是些青年农民。鼎沸的人群勉强闪出一条极窄的通道，让狂奔的观者攀缘在房子和教堂上，为赛马手呐喊助兴。这幕旋风般令人亢奋的群情与盛况，激起了画家的兴趣。热里柯当场画了许多与马有关的速写。这一幅《艾普色姆的赛马》反映了他这一时期的倾向，是热里柯去英国访问（1820—1822）期间完成的。他把从意大利获得的题材，经过出国游览考察所得，酝酿成了这一幅赛马题材作品。从历史的角度看，热里柯的英国之行具有重要意义，因为以马为主题的一系列后期创作，是他从英国返回后确立的。热里柯于1824年不幸在一次偶然的坠马中受伤去世，年仅33岁。 作为浪漫主义的先驱，热里柯向浪漫主义和现代倾向迈出了关键性的一步，他率先向文艺复兴的传统发起了总攻，这就是结束文艺复兴以来一直延续的对视觉真实的再现，这种再现一直使得艺术家处于相当被动的地位。而从浪漫主义开始（甚至也包括新古典主义某些极端的探索），艺术的个性化、艺术家的能动地位和艺术自身的价值体现逐步具有了主导意义，现实只是成为艺术和艺术家独立发展的参考，艺术的意义超过了现实的意义，或者说艺术家的现实观发生了变化。热里柯在这里不是再现他的所见，而是把他的所见情绪化地表现出来，代表了浪漫主义的特征。 雄视（中国画）潘天寿 潘天寿（1897—1971），原名天授，字大颐，号寿者，晚年常署颐者、雷婆头峰寿者，浙江宁海县冠庄人，是中国现代最杰出的中国画家和美术教育家之一。1915年潘天寿考入浙江第一师范，是李叔同和经享颐的学生。1923年任上海民国女子工校和上海美专国画系教师，开始研究中国画，并与吴昌硕交往密切，得到吴昌硕的称赞。1928年受林风眠之聘任西湖国立艺术院国画系主任、教授。1944年后任校长。潘天寿精于写意花鸟，兼作山水画、人物画，又擅长书法、篆刻，特别是“指画”。他对中国绘画史和绘画理论也有很深的研究和独到的见解。他的花鸟画别开生面、独树一帜，不论构图、用笔都追求雄强豪壮的气势，这不仅是他正直、倔强性格的写照，也是近代中国集体人格的反映。这幅《雄视》是他的代表作之一，表现了潘天寿在构图和主题处理上追求奇崛、险峻和险中求稳的艺术特征。正是由于潘天寿的杰出艺术成就，因而和吴昌硕、齐白石、黄宾虹一起被誉为“现代四大家”。 春雪（中国画，69.5厘米×138厘米，1984年）吴冠中 《春雪》体现了吴冠中的一贯艺术追求，但在他的同类作品中此画又是较为抒情的一幅。尽管此画尺寸较大，但仍给人一气呵成的感觉。画面上似乎只有几块大片的墨色，间以墨点和墨线，少数地方用了一些色彩，但奇怪的是，一个巍峨秀丽的雪山就出现在我们面前。点、线、面等语言要素被作者运用得机巧而灵动，充分发挥了中国画的语言特征，体现出中国画的形式美和艺术美，给人以艺术的享受。 老国王（油画，76.8厘米×54厘米，1916—1917，匹兹堡卡内基学院藏）卢奥（法国） 乔治•卢奥（1871—1958）出生于细木工家庭，原是法国象征派画家莫罗的学生。莫罗死后，他曾被任命为陈列莫罗作品的美术馆馆长，与野兽派画家志同道合。 卢奥的作品充满宗教情感，他憎恶法国社会道德的腐败，经常在出入巴黎地方法院时，看到一些“失去上帝恩宠的人们”，因而在他的画上增加了色衰的妓女、落网的歹徒和冷酷的法官等形象。 这一幅《老国王》，体现出彩色玻璃窗画的特色。颜色很厚重，黑色勾轮廓，体现出油画特有的艺术美和形式美特征。老国王的侧面形象显得很忧伤，不像国王，倒像个苦难者的化身，与基督受难像差不多。这幅画约创作于1916—1917年，在两次世界大战期间，卢奥反复修改了这幅画，借以寄托画家对苦难人民的同情。他在自己的回忆录中写道：“我是荒原里受苦难人的沉默的朋友。我是永恒苦难的常青藤，它攀缘在这被弃的墙上，墙内是反叛的人们藏着的罪恶与善行。作为基督徒，我相信钉在十字架上的耶稣。” 向正方形致敬（油画，120.7厘米×120.7厘米，1959年，纽约古根海姆博物馆藏）阿尔伯斯（美国） 约瑟夫•阿尔伯斯（1988—1976）生于德国波特罗普，32岁时进入包豪斯学院做学生，以后留校任教。1933年希特勒关闭包豪斯时，他是这个学院最早移居美国的教师之一。在美国，他成为宣扬包豪斯设计革命和设计手段新观念的最有影响的人物之一。他在北卡罗琳那开设的著名的黑山学院成为传播他的思想的主要阵地，也成为美国先锋派艺术家荟萃和获取灵感的大本营。 阿尔伯斯在理论和实践上对色彩知觉结构进行的详尽研究由其教学和作品传播开来，并对美国的抽象艺术产生了重要的影响。1950—1960年他离开黑山学院来到耶鲁大学成为建筑和设计系主任。这一时期开始了他著名的油画和正方形系列画，并都起名《向正方形致敬》。这组作品使他在抽象减少和视错觉的探索上达到一系列的高峰。其实，早在瓦萨雷利和巴黎的视觉艺术探索小组之前，阿尔伯斯就已经创造出了一种动力知觉绘画，他的这种创造使包豪斯构成派变成一种更有活力的抽象艺术。他于1959年开始的《向正方形致敬》系列，使他近乎绘制性地重复着他早先就已经开始的尽管不是很明确的主题，这就是用不同色调和比例以及不同变体的相叠的正方形色块，它使得埋藏在复杂视觉体验中的个人心理和丰富的情感内容受到前所未有的重视。 夜巡（油画，365厘米×438厘米，1642年，阿姆斯特丹美术馆藏）伦勃朗（荷兰） 伦勃朗（1606—1669）是荷兰大画家，不仅是杰出的油画家，而且是著名的铜版画家。他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣，从而使他在美术史上享有崇高的地位。 伦勃朗出生在莱顿一个磨坊主家庭，受过较好的教育，并进过大学，但不久离校学画。21岁时已掌握了油画和铜版画的基本功，开始形成自己的风格。他在家乡开画室并接受定货。1631年离开家乡定居在荷兰最大的城市阿姆斯特丹，很快就成为当地著名的肖像画家。1634年他的爱妻病逝，后又因伦勃朗和女仆结合，引起亲属们的强烈不满，以致诋毁他的声誉，霸占他的财产，最后终使伦勃朗陷于困境不得不搬到贫民区居住。但伦勃朗在艺术上并没有停步，相反，由于生活的坎坷使他更深刻地去观察和理解社会，艺术视野更为广阔，使他的艺术达到了顶峰。在他完成晚年著名的代表作《呢布业同业工会理事》后，他的继妻和他惟一的儿子相继离开人间。1669年10月4日，这位最杰出的荷兰画家也终于在极端贫困中与世长辞。虽然他的遗物只有画具和破旧的衣衫，但是他却给人类留下了一大批极其珍贵的艺术遗产（600幅油画、1300幅版画和2000幅左右的素描和速写）。 在伦勃朗的大量作品中，肖像画占了很大的比重，仅他的自画像，目前保存的估计总数在60～100幅之间。他的绘画风格，突出地表现在主要利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点，画面明暗对比强烈，虚实结合，层次丰富，气韵生动，后人称之为伦勃朗式的明暗画法。 《夜巡》是伦勃朗创作盛期的重要代表作。它是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部定制的一幅群像肖像画。关于这一作品，过去流传的说法是：当此画的定制者看到完成了的作品时很不满意，因为画中只突出了几个主要人物，不少人被画在不够显眼的位置，他们要求画家修改此画，结果遭到伦勃朗的拒绝。定画者为此向法院提出控告，伦勃朗败诉，他从此成为不受欢迎的画家。他后半生的贫困生活也与《夜巡》一画有关。近几十年来，经过许多国家专家的考证，证明上述说法并不可靠，乃是伦勃朗死后一些传记作家，为了渲染所谓天才人物生前往往不能为人所理解而制造出来的。事实上，《夜巡》一画最后仍为定制者所接受，伦勃朗也得到了事先议定的报酬。 不管怎么说，从这一作品本身来讲，这一群像肖像画是富有创造性的。画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，并有节奏地处理这些民兵们。民兵的负责人宁•科克正在集合队伍，所以在画面上处于突出的地位，并好像正与他的部下边谈着话边向观众走来。其他民兵，有的在击鼓，有的挑着旗，有的擦枪筒，有的举长枪，呈现出各种各样的举止神态，但都统一到准备集合出发这一情节上来。整个画面明暗对比强烈，但又极富层次感，构成一幅富有战斗性的构图，充分体现了伦勃朗独特的艺术风格。应当说明的是，此画原来画的时间是白天，由于此画被后人涂上了过厚的光油层，加上长时间的岁月侵蚀和空气污染，以致画面变暗，好像是画的夜景。大约从1800年开始，此画的名称一直被误传为《夜巡》。 空间中连续性的形式（雕塑，高110.5厘米，1913年，纽约现代艺术博物馆藏）波丘尼（意大利） 翁贝托•波丘尼（1882—1916）是一位博览群书、才华横溢的艺术家，也是未来派的重要理论家和灵魂，未来主义的两次宣言——“未来主义绘画技巧宣言”和“雕塑宣言”均出自他之手。他倡导艺术家应积极投身于现代科技文明，在艺术中努力表现这些成就，鼓动艺术家去捕捉现代生活中的运动、生命和速度。在波丘尼的心目中，运动感的表现是艺术中的首要问题，因此他的作品总是充满着动感。波丘尼是未来派最有才华的艺术家，可惜他在艺术上没有得到充分发展，当一战爆发时他自愿入伍，1916年他正值年富力强之时战死于意大利前线，年仅34岁。 波丘尼努力将运动的过程在《空间中连续性的形式》这件雕塑上表现出来，即把时间这一因素引入到造型艺术中，为此他创作了这件作品。这是一个快速行进中的人物全身像，但这个形象并没有五官和双臂，艺术家将这个人的每个运动步骤联系起来，创造出一个新的充满运动感的现代机械形象。它带有写意的特点，尽管没有完整的五官，也没有双手，并非一个真实的人体，但我们仍然能从它的动态感觉到一种力量速度，它在人的视觉上造成的是一个快速行进中的人物印象。 空间设计里特维特(荷兰) 在20世纪初的荷兰，风格派运动回应了阿姆斯特丹学派优雅的雕塑般的艺术风格，只关注艺术的客观性，他们拒绝使用物体的自然形态，而是尝试由直线、三原色以及黑、白、灰组成的抽象艺术语言。蒙德里安是风格派的创始成员之一，他的绘画获得了普通的承认。在建筑上，直线和平面互相穿插，提示我们建筑代表着空间的连续性而不是封闭的边界。 最清楚地表现风格派特征的建筑，是由里特维特(1888—1964)于1924年与他的客户——室内设计师斯劳德夫人共同设计，位于乌德勒布市的一座住宅。该建筑坐落于城郊的一片开阔地中，就像是一幅三维的小型蒙德里安式绘画，似一件摆设多于一座可居住的建筑。建筑形式表达清晰但却手法轻灵，各部分都是由面与线构成，表现得若隐若现、难以捉摸，使得这座建筑本身就是一种对空间的体验。 荷矛者（雕塑，高198厘米，公元前5世纪，罗马时期复制品，那不勒斯考古美术馆藏）伯留克莱托斯（希腊） 伯留克莱托斯是公元前5世纪古希腊最著名的雕塑家之一，擅长表现青年运动员的形象，所用材料都是青铜。据说他还写了一本论述人体比例的著作《法式》。可惜他的原作均已不存。这里的《荷矛者》被塑造成一个体格健壮、充满朝气的青年战士的形象，体现了古希腊人在希波战争胜利后对英勇保卫国家的战士们的崇敬心情。同时，它也是作者长期研究人体比例的验证。他认为最理想的人体比例，即头与全身的比例为1：7，以肚脐附近为重心划分的上下身比例为黄金分割的近似值5：8，身体重心的垂直线落于右脚之上。整座雕像以均衡的动作形成统一的构成，显得极其完美和谐。 米洛斯的阿芙洛蒂特（雕塑，高202厘米，公元前1世纪，巴黎卢浮宫博物馆藏，古希腊) 这座发现于爱琴海米洛斯岛的山洞中的雕像，是希腊化时期的作品。阿芙洛蒂特的罗马名字是维纳斯。这位美与爱之女神，在希腊和罗马神话中，已成为全部女性美的代表和体现者。从公元前4世纪的著名雕刻家普拉克西特以来，无数雕刻家都在千姿百态的女裸体像上，热情歌颂这位体现着女性的温柔、美丽和永恒青春的女神。但是，至今留给人们印象最为深刻，使人感到十分亲切，既貌美婀娜、体态万方，又庄重典雅的裸体女神雕像，就要算这座米洛斯的阿芙洛蒂特了。尽管她双臂残缺，但那雕刻得栩栩如生、解剖无懈可击的躯体，仍然给人以完整的美感，以至于后世很多为她复原双臂的雕刻家的复制品，都在原作面前黯然失色。这座雕像可供四面欣赏，无论从哪个角度看，都有某种统一而富于变化的美。女神的面部具有希腊妇女的典型特征——直鼻、椭圆脸、窄额和丰满的下巴。这正好说明希腊的神，是希腊人按照他们自己的模样来创造的。她那安详自信的眼神和稍露微笑的嘴唇，给人以矜持而富有智慧的感觉，毫无纤巧娇柔、顾影自怜的造作神态。她使人们了解到两千多年前希腊人的审美观：力求外在美和精神美的统一。丰腴饱满的躯体和端正大方的容貌，体现着青春、健美和充沛的生命力，体现着内在的教养和美德。这一切取决于雕刻家浑厚朴实而不追求纤巧细腻，但同时显示出人体动态中丰富的变化和含蓄的美感。 （二） 名词解释 美的规律和法则 从某种意义上说，规律与法则是一致的，因为法则体现了事物的规律性，而规律则是通过法则呈现出来的。对美的规律和法则的认识和总结在古希腊的时候就已经开始，当时主要体现在建筑和雕塑之中，以后逐步扩展到绘画，形成造型艺术产生艺术美和形式美的基本规范。在古希腊，艺术的法则有三个特点：(1)被认为是最完美的艺术形式规范，是达到完美艺术的保证；(2)它是以比例的形式体现的，并且可以用具体的数量来表现，例如事物各部分之间的比值和黄金分割率；(3)它是灵活的，可以随着人的审美的变化和视觉的需要加以适当的调整，但只有一个相对的空间。这样的研究对造型艺术创造自身的艺术美和形式美提供了重要的依据和手段，艺术家可以根据这样的美的规律和法则创造出符合人的视觉感受的美的形象。也就是说，美的规律和法则是按照自然并符合人的比例关系创造出来的，是对自然界的艺术的表达方式，这就是这种规律和法则的普适性。在这其中人们又总结出了变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等规则。 审美价值 即审美对象中能够满足人的审美需要，从而引起审美感受的价值属性。审美价值是建立在人和对象的实践关系上的，凭借美的规律，使人的本质力量得到对象化，即在对象中确证自己的存在和价值，由此获得自我享受。但审美价值的观念是在历史的发展过程中逐步形成的，因此就受制于时代性、阶级性和民族性，即不同时代、阶级和民族的审美价值观念存在着差异，因此，在对美的认识、想象和期待上就不同。 变化与统 形式美法则的高级形式，又称多样统一，也叫和谐。从整一律、对称均衡到多样统一，类似一生二、二生三、三生万物。变化统一体现了生活、自然界中对立统一的规律，整个宇宙就是一个多样统一的和谐的整体。“变化”或“多样”体现了各个事物的个性的千差万别，“统一”体现了各个事物的共性或整体联系。多样统一是客观事物本身所具有的特性。事物本身的形具有大小、方圆、高低、长短、曲直、正斜；质具有刚柔、粗细、强弱、润燥、轻重；势具有疾徐、动静、聚散、抑扬、进退、升沉。这些对立的因素统一在具体事物上面，形成了和谐。多样统一的法则的形成是和人类自由创造一种复杂的产品时要求把多种的因素有机地组合在一起一样，既不杂乱，又不单调。多样统一使人感到既丰富又单纯，既活泼又有秩序。这一基本法则包含了对称、均衡、对比、调和、节奏、比例等因素。所以一般都把“变化统一”或“多样统一”作为形式美的基本法则。 比例 造型各部分之间的尺寸关系。部分与部分之间、部分与整体之间、整体的纵向与横向之间等相互之间尺寸数量间的变化对照，都存在着比例。适度的尺寸数量间的变化对照，都存在着比例。适度的尺寸数量的变化可以产生美感，例如“黄金比例”是比较典型的。
⑶ 求湖南美术出版社《美术鉴赏》一书的图片及图片简介。
波洛克的滴淌画
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英国汉弥尔顿的
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安迪.沃霍尔的汤罐头
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毕加索的宫娥
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马蒂斯的国王的忧伤
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培根的号叫的教皇
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罗伯特.史密森作品螺旋形长堤
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白南淮作品
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霍克尼我的母亲
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徐冰的天书析世鉴
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弗兰克盖里作品古根海姆美术馆
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⑷ 求湖南美术出版社《美术鉴赏》目录
内容简介《普通高中课程标准实验教科书·美术》是根据《普通高中美术课程标准》的基本要求编写的，供高中学生选用的美术实验教科书。
教科书共分《美术鉴赏》、《绘画·雕塑》、《设计·工艺》、《书法·篆刻》、《现代媒体艺术》五个系列。《绘画·雕塑》分为《绘画》和《雕塑》两个模块（各独立为一册）；《设计·工艺》分为《设计》和《工艺》两个模块（各独立为一册）；《书法·篆刻》分为《书法》和《篆刻》两个模块（各独立为一册）；《现代媒体艺术》分为《摄影摄像》和《电脑美术》两个模块（各独立为一册）；《美术鉴赏》分上篇和下篇两个模块，上下篇合为一册，便于了解《美术鉴赏》的个貌。根据各模块的不同要求和本地的具体情况可自行安排必修和自修的单元内容。
本册为《美术鉴赏》系列，分为上篇和下篇两个模块，共由三个单元组成。在实际教学中可对单元的课时量作适当调整。本册每课均设置有“思考与交流”、“活动建议”等栏日。每个单元均设有“相关链接”。“思考与交流”是学习过程中帮助我们学习，进行必要的思考训练的环节；“活动建议”是提出本课学习活动的基本内容和方式的建议；“相关链接”是对与课文相关的术语、概念的说明，并提供参考书目。
教科书在编写过程中，得到许多专家、一线教师和高中学生的热情支持和帮助，在此深表谢意！
该教科书是为了实验和印证《普通高中美术课程标准》而编写的，希望广大的教师和学生实事求是而又生动活泼地参与使用该教科书的教学实验活动，使我们的学习更有价仇，并有效地促进教科书的改进和完善。 目录上篇
第一单元 美术与眼睛
第一课 什么是美术作品
第二课 图像与眼睛
第三课 我们怎样运用自己的眼睛
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第二单元 勰煌的美术历程
第一课 原始人的创造
第二课 礼仪与教化
第三课 心灵的慰藉
第四课 人间生活
第五课 审美自律
第六课 从传统到现代
第七课 新的实验
相关链接
中外美术年表
下篇
第三单元 灿烂的美术世界
美术与自我、社会
第一课 追寻美术家的视线
第二课 美术家眼中的自己
第三课 托物寄情
第四课 审美变化中的自我
第五课 进入历史
第六课 战争与和平
第七课 时代的脉搏
第八课 不同的歌声
第九课 各异的风土人情
第十课 通俗的浪潮
相关链接
美术与自然、环境
第十一课 变幻的自然万象
第十二课 地域的永恒魅力
第十三课 异域的憧憬
第十四课 走进博物馆
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⑸ 走进具象艺术 怎么设计教学导入生动有趣
蒙娜丽莎《蒙娜丽莎》微笑之谜500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应。利文斯通说：“笑容忽隐忽现，是由于观看者改变了眼睛位置。”她表示，人类的眼睛内有两个不同部分接收影像。中央部分(即视网膜上的浅窝)负责分辨颜色、细致印记。环绕浅窝的外围部分则留意黑白、动作和阴影。据利文斯通说，当人们看着一张脸时，眼睛多数集中注视对方的双眼。假如人们的中央视觉放在蒙娜丽莎的双眼，较不准确的外围视觉便会落在她的嘴巴上。由于外围视觉并不注重细微之处，无形中突出了颧骨部位的阴影。如此一来，笑容的弧度便显得更加大了。不过，当眼睛直视蒙娜丽莎的嘴巴，中央视觉便不会看到阴影。利文斯通说：“如果看着她的嘴巴，便永远无法捕捉她的笑容。”蒙娜丽莎的笑容若隐若现，源于人们的目光不断转移。利文斯通指出，若要临摹《蒙娜丽莎》，描绘口部时便要望着别处。1993年，加拿大美术史家苏珊·吉鲁公布了一项令人震惊的研究成果。她说蒙娜丽莎那倾倒无数观赏者的口唇，是一个男子裸露的脊背。这一论断既新鲜又荒诞，然而论证是有力的。集画家、雕刻家、建筑师、工程师及科学家等多种才艺于一身的达·芬奇，可谓是个“怪杰”。他喜欢穿粉红色外套，在胡须上毫无顾忌地涂上五颜六色，还常称自己解剖过不下30具死尸。他还是个左撇子，习惯从右到左倒着书写，别人要借助镜子才能读出他写的东西。因此借助镜子亦不失为欣赏者读画的一种方法。旋转90度后从镜中看蒙娜丽莎抿着的笑唇，恰好是一个背部线条分明的结实男性脊背以及左臂和肘部的一角；再说，表现人体美和呼唤人性的觉醒，既是大师的人生哲学，又是他的艺术观。确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。几百年来，“微笑”的新解层出不穷。诸如微笑不露皓齿是因原型虽典雅美丽却口齿不齐；原型因爱女夭折，忧郁寡欢，难掩凄楚之态；更有甚者，把蒙娜丽莎从贵妇宝座上推落下来，把原型贬为妓女，故而微笑中带着讥嘲和揶揄。美国马里兰州的约瑟夫·鲍考夫斯基博士认为：“蒙娜丽莎压根就没笑。她的面部表情很典型地说明她想掩饰自己没长门牙。”法国里昂的脑外科专家让·雅克·孔代特博士认为蒙娜丽莎刚得过一场中风，请看，她半个脸的肌肉是松弛的，脸歪着所以才显得微笑。英国医生肯尼思·基友博士相信蒙娜丽莎怀孕了。他的根据是：她的脸上流露出满意的表情，皮肤鲜嫩，双手交叉着放在腹部。性学专家推测：蒙娜丽莎刚刚经历了性高潮，所以才表现出令世人倾倒的微笑。还有一种近乎无稽之谈的说法：她的表情就像吃了苯氨基亚胺似的，显得很陶醉，这是吃完巧克力后人体内产生的一种欢愉激素。这种说法很少有人相信，因为当时还没有巧克力呢。《蒙娜丽莎》真伪之谜按照以往的说法，达·芬奇的《蒙娜丽莎》收藏于巴黎的卢浮宫。但在收藏界却有一种说法称，挂在卢浮宫的不是《蒙娜丽莎》，真正的《蒙娜丽莎》是在伦敦一所公寓的墙上。这间寓所和这幅作品的保管者普利策博士说，《蒙娜丽莎》完成后，作品就留在了丽莎·德·佐贡多家。后来，又有一个贵族请达·芬奇为他的情妇画一幅肖像，这个被称为“拉乔康达”（意为“微笑的人儿”）的女子，和蒙娜丽莎长得很像。于是，一时懒惰的达·芬奇把《蒙娜丽莎》的脸部换成拉乔康达。画作完成后，那个贵族抛弃了拉乔康达，因而没有买下这幅画。后来达·芬奇应弗朗西斯一世的邀请去法国，带去了这幅画。普利策说，使卢浮宫增添光辉的是拉乔康达的肖像画。《蒙娜丽莎》后来流落到英格兰，本世纪初被一家博物馆馆长、艺术鉴赏家威廉·布莱克买下，后来又为瑞士一财团收购，普利策便是其中的成员。本世纪初，曾经有许多人大规模地复制、伪造艺术名作，有理由怀疑伦敦的那幅是赝品。但是，普利策博士对他的这幅画的真实性深信不疑。他用显微摄影技术证实，伦敦这幅画上的指纹同达·芬奇其他作品上的指纹相同；根据记载，蒙娜丽莎比拉乔康多年轻19岁，被画时披着一条表示悼念的面纱，在两幅画中，只有伦敦那幅显示一个更显年轻的女人披着漂亮的面纱；另一个证据是，拉斐尔当年在达·芬奇作这幅画时曾经作过速写，速写中的蒙娜丽莎背后有两根圆柱，这两根圆柱出现在伦敦的肖像画里，而卢浮宫那幅的背景是山崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水。几百年以来，不少收藏家各自声称他们藏有真正的《蒙娜丽莎》,数量竟达60幅之多。更有趣的是，美国缅因州伯特兰美术馆在1984年收到一幅《不微笑的蒙娜丽莎》，经测定，此画确实是当年达·芬奇的手笔，画中的人物除了不微笑以外，其余都酷似蒙娜丽莎本人。专家由此推测，这幅《不微笑的蒙娜丽莎》可能是作者同时画的一幅底稿。还有一种说法认为目前卢浮宫内收藏的《蒙娜丽莎》是一幅赝品，其依据在于1911年发生的那起盗窃案。在那起盗窃案中，《蒙娜丽莎》失窃。两年后，它出现在意大利，但是画面上蒙娜丽莎身后两旁的廊柱已经被切掉了。几年后，《蒙娜丽莎》被归还卢浮宫。但许多专家都认为，这次失而复得只是一场烟幕，真正的《蒙娜丽莎》已经被一位富有的收藏家重金收购，挂在卢浮宫内的只是一件赝品而已。《蒙娜丽莎》背景之谜加利福尼亚大学教授卡罗·佩德雷蒂认为，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂的证据是，达·芬奇出生在距阿雷佐约100公里的芬奇镇，并曾经在阿雷佐生活过，这一地区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎完全一样，因此，达·芬奇很有可能采用这一地区的田园景色作为《蒙娜丽莎》的背景。当佩德雷蒂的这一观点在达·芬奇绘画国际研讨会上宣布后，许多美术史专家都对他的研究结果表示肯定。《蒙娜丽莎》死因之谜按照记载，丽莎·迪·格拉尔弟尼在46岁时抑郁而死，但一位日本心脏病专家说他发现蒙娜丽莎的左眼上有一块黄斑，这是胆固醇含量过高的征兆。这个日本心脏病专家说蒙娜丽莎应该死于心肌梗塞。说不尽的蒙娜丽莎蒙娜丽莎，这是一个永远探讨不完的问题。自问世至今，将近五百年，后人不知做过多少品评和揣测，留下越来越多的迷局。当今，世上有研究《蒙娜丽莎》的专著数百部，而有近百名学者将此画作为终身课题。时间的推移不会使疑团得到解决，只会随着研究的深入，将的疑惑留给后人。人们过分地喜爱她。无止境地探讨她那难以觉察的、转瞬即逝然而亘古不变的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端庄沉稳的姿态，高贵而朴素的装束，以及无懈可击的完美构图。人们惊叹：列奥纳多，惟有列奥纳多，上帝一样的智慧，才能采集那么多美的元素，将众多美好合为一个完美。于是，美、智慧、永恒，三位一体，极致的搭配，再无超越的可能。就这样，蒙娜丽莎带给人们无限美好的遐想，也给人们无限沉重的压力。人们既愿意栖身她的庇荫，吸取滋润的营养；又渴望走出她的阴影，呼吸自由的空气。多少年了，无数醉心绘事的人，都为这一重矛盾所困扰。这是一个神话，它与达．芬奇无关，完全是后人制造的。神话像雪球，随着时间的推移不断滚动，无限膨胀，最终连神话的制造者也被吞没。如今，蒙娜丽莎坐在卢浮宫一处显要的位置，隔着厚厚的防弹玻璃，每天以我们熟知的、神秘而永恒的微笑迎候数以万计的来访者。这些朝圣般的观众心中装着各式疑问，他们渴望通过这一张温柔娴静的脸庞读出答案，然而离开时却将的问题带走。问题是五花八门，许多与蒙娜丽莎并无关系。有人会问：蒙娜丽莎究竟是画中人的名字，还是微笑的别称？画中人究竟是银行家乔．贡多的妻子，还是伊萨贝尔王妃？此画确有真人模特，还是凭想象画成？画中人物没有眉毛，这是当年佛罗伦萨的审美时尚，还是像某人所说，其人正在怀孕，是妊娠反应？画中人是否刚经历流产的伤痛，所穿衣裳是丧服？蒙娜丽莎那令人迷惑的表情真的是微笑吗？难道不是面部麻痹症造成？蒙娜丽莎到底是男是女？其原型是否就是达．芬奇本人？问题越问越离奇，距离画本身越来越遥远，不仅无助于解读该画，反而将人不断引向迷途。其实，有些问题已经构成了对《蒙娜丽莎》的亵渎，只是提问者尚未觉察。蒙娜丽莎是男是女，这还用得着问吗？任何一个对性别有感知的人都不该对此产生疑问，可是有人偏要提出如此荒唐的问题。有人说蒙娜丽莎给人的感觉是中性的，至少她（他）不会给人产生性的诱惑。试问，难道惟有性感才能构成女性美吗？如此，一幅肖像画与一幅色情照片又有多大区别？无疑，蒙娜丽莎是美的，她的美充分体现在人性美上，而不局限于女性特征；或者说，她的美已经超越了性别阻隔，但这并不等于连性别都分辩不出。对于显而易见的事实还要发出荒唐的疑问，若不是别有用心也是无聊之极了。面对一幅分明令人愉悦的肖像却偏要说甚么面部麻痹症，这简直令人愤慨。蒙娜丽莎表情是僵化的吗？瞬间的表情被定格就说成僵化，那真是荒唐透顶。微笑是难以描述的，专注中不自觉的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略带嘲讽的微笑，那是每个人不同情绪下的感受，但笑意是毫无疑问的。至于有人感到蒙娜丽莎的微笑是常人难以企及的，因而断定此画不是以真人为模特，而是完全凭想象画成，这种论断也纯属多余。人们惊叹达．芬奇卓越的绘画技巧：画中人由面部五官到双手，再到身体的其他部分，包括衣着穿戴，每一处都那么真实可感，几乎伸手可及，这是凭空想象无法完成的。倘若没有真实人物作参照，达．芬奇纵然有天大的才气也不可能画得如此生动细腻。有人要问，画中人的眼神、她的笑意是那么遥远和不辩深意，那是其人所独有的吗？为什么今人就摹仿不出？其实这样的问题很好解答。每一个了解绘画的人都懂得，肖像画并不等同于人物原型。一幅好的肖像画首先要体现作者与表现对象间的互动；画家将自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融铸进了画中人物，这样观众从画面上读到的肯定比真实人物要丰富的多。我们了解了达．芬奇的生平，认识了他在诸多领域的非凡造诣之后，上述问题也就迎刃而解。既如此，那么画中人究竟是谁的妻子、叫什么名字就不重要了，她是达．芬奇全部艺术才情的汇聚，也是他理想人格的集中体现。从这个意义上说，她不是任何人的妻子，她是一个超乎常规限定的完美人性。我们可以理解蒙娜丽莎为达．芬奇的精神肖像，但要说是以他本人为模特就显得太庸俗化了。有人通过电脑技术将达．芬奇的自画像与蒙娜丽莎作以对照，发现两者的基本结构惊人地相似，于是断定该画是以他本人为模特。其实这是吹毛求疵。相似不等于吻合，当然完全吻合是不可能的，正如画中人与真实人物也非完全相同；然而不同的人总有相似之处，并且相似性是主要的，差异却是微小的；更何况每一个画家描绘他人时总会不自觉地把自己的形象带进画面，因为画家对自己最熟悉；这点想来达．芬奇也不会例外。说到这些，其余的问题也就无须解释了。如果我们多读一些画，多接触一些画家，那么不着边际的问题就不会提出来了。驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。临摹名画是一种喜爱的表现，《蒙娜丽莎》就拥有世界上最多的临本。且不说今人的临摹，仅在达．芬奇时代就有好几个版本的《蒙娜丽莎》，那多半是达．芬奇的学生或助手临的。有几幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不过其中也不乏佳作。在美国新泽西州也有一幅《蒙娜丽莎》，和卢浮宫的原作极为相似，只是构图略大一些，露出左右两侧的石柱（原作构图本来如此）。画上的蒙娜丽莎秀丽、清纯，更具人间气息。专门研究《蒙娜丽莎》的学者雷特认为这幅也是达．芬奇所作，而且是最初作品，该作表现出了人物的青春魅力；而收藏于卢浮宫那幅大约作于1513年。达．芬奇到了晚年技艺愈加炉火纯青，但多年过去，蒙娜丽莎已不再年轻，而多了些许成熟与深沉。这种说法颇耐人寻味，但毕竟只是推测，难以得到证实。多数人对此持否定意见，反对者认为：达．芬奇一生中创作的绘画屈指可数，他从未重复过自己的作品。不过，这种论断也缺乏说服力，达．芬奇本人就曾经画过两幅同样的《岩间圣母》。既如此，那么他留下两幅《蒙娜丽莎》也非绝对不可能。据称达．芬奇画《蒙娜丽莎》前后耗费了四年时间或更久，那他在这其间画过一幅或多幅变体画的可能性是存在的。真伪鉴定会有专人去考据，而我们将新泽西州的《蒙娜丽莎》与卢浮宫的原作放在一起欣赏是别有趣味的。两幅画看去几乎一模一样，但仔细分析就会发现两者风格截然不同。新泽西的蒙娜丽莎看去更活泼些，娴静温柔中透出靓丽与清新；人物动态是平静自然的，毫无刻意临摹的那种拘谨与呆板；背景色彩反差较大，不似原作那般含蓄沉稳，却与该画的气氛极为协调。无疑，这是一幅佳作，但与原作相比就显得单薄了。当我们面对《蒙娜丽莎》原作时，不会有惊艳之感；那不是一位绝代佳人，似乎也不大年轻。驳斥了上述一些问题，不是说围绕《蒙娜丽莎》的研究都是无意义。作为世界美术史上最具知名度的一件作品，必然会有无尽的问题为后人探讨。对于《蒙娜丽莎》人们过分熟悉，很难再产生新鲜感；然而醉心于此画的人，却是每看必有新得，各中奥妙怕是只可意会了。《蒙娜丽莎》不但是卢浮宫的镇馆之宝，简直是法国人的骄傲。当年《蒙娜丽莎》曾经失窃，千万人为之痛不欲生，政府则把当日定为“国难日”；而当它失而复得时，则举国欢腾，其盛况不啻于国家重获新生。法国人莫非忘记了，《蒙娜丽莎》本不该属于他们。在蒙娜丽莎的故乡意大利，拥有无法估量的艺术宝藏；却不曾拥有《蒙娜丽莎》，不能不说是巨大遗憾。这是世界上拥有最多发烧友的一幅画，不要说艺术界，单就政界要员对她的迷恋就令人诧异：大名鼎鼎的戴高乐总统每当心绪烦躁时，必驱车前往卢浮宫欣赏《蒙娜丽莎》，出来后便满面春风，原先的烦恼荡然无存；而蓬皮杜总统则公开承认无法克制对《蒙娜丽莎》的心驰神往之情。世纪伟人邱吉尔可谓是曾经沧海了，可他晚年有幸亲抚《蒙娜丽莎》时，竟无法控制颤抖的手指；铁娘子撒切尔夫人亦对《蒙娜丽莎》情有独钟，无缘享有真迹，就收藏了4幅赝品。看到这些事实，我们会产生疑问：一幅不大的肖像画为何竟有如此巨大的魅力或是震慑力，难道不是有一种神秘的无形力量在驱动么？有些问题是难以回答的，我们先从《蒙娜丽莎》自身来认识。举世公认的真迹现藏卢浮宫，那是流传有序的。当年达．芬奇迁居法国，身边就带着这幅画；达．芬奇死后，《蒙娜丽莎》即为法国王室所拥有；卢浮宫建成后，此画就被永久收藏。然而，人们不解，现今看到的《蒙娜丽莎》与当初描述的不尽相同。莫非已经过他人做手脚了？的确，我们今天看到的画与当年达．芬奇初画的已经有了不小的差距。据说，当年拿破仑得到《蒙娜丽莎》，为了将它装进现成的镜框，裁去了画面左右各三厘米；原先的画上两侧有石柱，现在看不到了，只能看见一点柱础。按说拿破仑给此画造成了极大破坏，可我们今天却不会这么认为。在今人看来，《蒙娜丽莎》的构图是完美无缺的，人物身后的风景拓展了画面空间，又很好地烘托了人物内心世界，人物形象也极为突出；相反，两侧增加了立柱反倒觉得构图沉闷，视野欠开阔，人物形象也失去了单纯。拿破仑戎马一生，未曾对艺术有过特殊的关注，却在美术史上留下了显著的一笔，真是不可思议。看来神圣也不见得是不可动摇的。我们现在看到的《蒙娜丽莎》是棕褐色调，略带些青绿色相，色彩简洁而沉静，朴素而凝重。我们以为画向来如此，其实不然。据达．芬奇同时代人对此画的描述，当时的画是色彩鲜艳，调子明快的，什么时候变成了现在的样子呢？当年法王得到了《蒙娜丽莎》，为了更好地保护它，在表面涂了过多的光油；历经数百年光阴，光油变成了暗褐色，像我们目前看到的色彩；画表面已经开裂，形成了蛛网般的细密纹理。保存状况不佳，那是令人惋惜的；然而，我们宁愿承认当今的《蒙娜丽莎》。单纯浑厚的色调与人物沉静内敛的精神气质相得益彰；深暗的衣饰、迷蒙的背景将人物脸庞及双手衬托得响亮动人；而均匀的裂纹则给人物增添了神秘气息，让我们欣赏她时带上的崇敬与神往。有人想通过现代科技手段除去表面油垢，恢复原先明丽的色彩；只是担心技术不过关，怕损伤画面。其实，倘若真的修复了，我们反倒会觉得陌生以至难以接受。但是，我们会长久端详着画面，不忍转移视线。我们首先会被那绝妙的光影效果所折服，层层退晕呈现出丰富的空间以及逼真的质感，无界线的形体转折及色彩变化，比同时代人领先了几个世纪。真正让人惊叹的还不是技巧，那时隐时现的神秘微笑才令人销魂。那笑容太浅淡了，离得再近也看不真切；然而，只要你看到画，无论距离多远，都能感到微笑的存在。微笑不仅体现在翘起的嘴角，而是遍及脸上每一部分肌肤，甚至画面的各个角落，以至观者在欣赏蒙娜丽莎的同时，内心也装满了微笑。面对真迹的感受是别处无法取代的，卢浮宫的《蒙娜丽莎》注定会被永久保存。《蒙娜丽莎》就这样占据着人们的心灵。几个世纪过去了，蒙娜丽莎几乎成了一项法则，为无数艺术家所遵循。然而在艺术界，有了法则的设立者，就会有颠覆者。20世纪是艺术走向自由与多元的世纪，许多原本神圣的法则都发生了动摇。且看《蒙娜丽莎》近一个世纪的遭遇：先是杜桑用铅笔在她那美丽的脸上画上小胡子和山羊须，并题上L．H．O．O．Q字母；而后摄影师哈尔斯曼将蒙娜丽莎的脸庞换成了达利那怪异的面容：鼓瞪的双目，翘过眉毛的胡子，青筋突起的手中塞满钱币；再是南美画家博特罗将蒙娜丽莎画得肥胖无比，脸部像是充气球几乎占满画面而手却小得几乎看不见。此后衍化风盛行，各式各样的“蒙娜丽莎”纷纷出笼。裁剪了的蒙娜丽莎、肢解了的蒙娜丽莎、污损的蒙娜丽莎甚至烧毁的蒙娜丽莎都成了独立的艺术创造；还有人将蒙娜丽莎置换成动物头像，让人哭笑不得。随着衍化的普及，具有经济头脑的企业家看中了《蒙娜丽莎》的商业价值，于是蒙娜丽莎摇身一变，成了商品推销员。来自世界各地、形形色色的商品经“蒙娜丽莎”之手而身价倍增。蒙娜丽莎或握鼠标，或持饮料，或叼烟卷，或着泳装，或披婚纱，形象千奇百怪。无论人们赞叹其想象独特，还是因其歪曲名画而不齿，广告却因此为人注目，商家借此达到了促销的目的。与此同时，还有不少人喜爱装扮蒙娜丽莎，有的国家还举“蒙娜丽莎模仿大赛”，获奖的女士总是无比荣幸。正因有了此类活动，某些男士也产生了装扮蒙娜丽莎的念头，有人还真的实践了，男士扮演的“蒙娜丽莎”让人看了实在是忍俊不禁。这都是近些年的事情。在这个高速运转的、文化快餐统治的世界里，再神圣的经典也摆脱不了被解构的命运。对此我们很难做出评判，也许我们会为设计家天才的创意而赞赏有加，或因玩世者亵渎神圣而愤慨不已；然而，这都是确实的存在，我们除了承认别无他途。几百年来，《蒙娜丽莎》受到太多的赞誉，超出了它自身的承载力；当人们对它的推崇达到了饱和，不再有更新的创意时，歪曲、嘲弄和揶揄就应运而生。而正本清源，又有专门研究和品评《蒙娜丽莎》的文章或专著不断问世，包括各种推断与猜测；就这样，一幅画成了一门学科，许多人愿意耗费毕生的精力。未来的科学研究也许会为我们解答许多关于此画的疑问，然而神秘一旦消失，一切便如同猜破的哑谜般索然乏味。毕竟，《蒙娜丽莎》是一幅画，一幅美丽的肖像，我们带着虔诚，也带着无需解答的疑问去欣赏她，这就够了。参考资料：.注：文章中引用的事例来自《〈蒙娜丽莎〉大观》一书
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工写妙合画心境，融会贯通求变革
-----著名花鸟画家赵清国的作品赏析
夫从艺者，托其根于心智也，发其花、笔端墨彩于萱桑也。人之神不能无为，思虑易迁，哀乐相变，感生于志，赋形凝萃于画间。
庚寅（2010）年春（5月15日），在首都的一场拍卖会中，著名花鸟画家赵清国先生的多幅花鸟和国画人物作品赢得来自全国各地和场外的网络参拍者竞相投购，其中一幅斗方葡萄创下25万元的拍卖纪录。
五月的北京春寒料峭，不畏风寒的人们带着极大的热情前来参观竞拍。展厅四壁挂满了国内外中国画大师们的作品，清国先生参拍十幅中国画作。这幅以葡萄为主题的《春华秋实》展拍，气势恢弘、枝藤遒劲而又笔墨浓重！
赵清国，河南郑州须水镇人，1954年生于普通农民家庭。兄妹五人排行老末，儿时受大哥和父辈的蒙学影响，喜欢读书、写字、画画。他最大的理想将来当一名画家。
中学读书时，他的文化课和美术课成绩都非常优秀。然而“文革”却断送了绘画的梦想。1970年，刚满十六岁的他不得不携笔从戎，来到中国人民解放军武汉军区工程兵某部。白天在坑道里从事繁重的体力施工，晚上回兵营挑灯夜战，读书写字。艰苦的生活环境磨练了清国的意志，坚定了他学画、当画家的决心。从那时起，他养成了画速写的习惯。他说，他至今不抽烟、不打牌，和年轻时画画的理想追求是有直接关系的。
庄子《外篇》曰：“夫残朴以为器，工匠之罪也。毁道德以为仁义，圣人之过也”。
青年时代的清国，奋发上进，施工工程，文化宣传，样样都抢在前头，干的出色。他说，人活着，不管做什么，都应该有种向上精神追求，越是环境艰苦，越要有独立的精神。“天行健，君子以自强不息。”（《周易?上经》）他常以古人这句话作为自己的座右铭，从普通施工员，到书记员，再到司务长，是一步一个脚印走过来的。
清国在部队的时候喜欢读书，兴趣广泛，吹拉弹唱样样都行。但他最钟情的还是画画。他不但喜欢画花鸟鱼虫工笔小品，更热心于描写全景式的大幅巨制。他有时也画油画、搞书法，涉猎极广，没有定式。他最终走上绘画道路正轨，拜潘天寿的入室弟子，浙江美院（现中国美院）的朱颖人教授为师，却来自一次偶然的机会。70年代末，已转业到地方的物资系统清国，在洛阳接待了朱颖人、陈永康等先生一行的艺术家，并观看了他们合作的一幅丈二巨作《洛阳花似锦图》，那绚丽的墨彩、挺立的奇石，虬曲的松柏、华丽的牡丹、萱草以及气势逼人构图，让清国良久驻足，竟然看呆了，原来中国画还可以这样画。他暗下决心，一定要拜朱教授为师，学画国画。说来也巧，刚好朱颖人先生与河南知名花鸟画家李自强先生熟捻。他家中收藏有朱先生十数张从20世纪60年代延至新近的大幅花鸟画作品，清国如视珍宝，借来系统地仔细临摹。他深感自己原有的绘画功底不足，先后在天津大学进修MBA期间到天津美院和贾宝珉、姬俊尧、王之江、李学瑛等先生系统地学习传统绘画理论。
1992年4月，经李自强先生推荐，清国带上了数十幅作品驱车千里至杭州西子湖畔朱先生府上求教。朱先生在一一看过作品，夸清国画画有灵气，并在其作品上题字：“精神可嘉，当需努力”。兴致之余，朱先生信手边画边讲，口传身授。那年，朱先生71岁，清国43岁，当为先生的晚年弟子之一。
“朱颖人先对生活和艺术的理解表现在他的三个基本观点之中，艺术风格要与个性相和谐、生活的感受是创作的源泉、中国画笔墨是能不断传承发展的艺术。他身上充分表现了一位当代中国画人精审敦厚、充满自信的品质。”
朱颖人先生的师承十分丰富，他既受过颜文梁、林风眠、孙文林、关良、倪贻德、黎冰鸿等人学院式的西洋画教育，也受过蔡卓群、吴茀之、潘天寿等人师徒式的训练，他善于吸收中、西绘画两方面的营养，把学院式的教学和传统师徒传承式的训练结合起来学习，并贯彻到他以门生代行老先生的教学中去。朱先生常说：“光学古人的笔墨是远远不够的，要做到师迹又师心，注意学习古人的意境和构思”。
朱先生重视课徒与古代名画临摹、写生、创作三个环节的关联互动，主张借“临摹与读画”以学古（即因），承“写生与创作”（即创）以开今。通过学古达于开今的目的。写生是师古人师造化的实践，是通向创作的必由之路。创作是写生的提炼和升华，同时，又是师古人，师造化的试金石，通过实践寻找自身的缺陷和不足。实际上在整个学画的过程中，临摹、写生、创作三者是循环往复不断交替进行的。在老师的引领和启发下，清国逐渐明白了这些道理，并且重新注意临摹、写生、创作三者的关系。大体来说，清国的创作九十年代前以临摹为主，兼及写生创作；后期以写生、创作为主。纵观清国的绘画是临摹、写生和创作交叉进行的。经过近三十年的不懈努力，清国逐渐走出一条自悟的学画之路。
清国追随朱颖人教授以及诸多先生学画，虔诚，有颗执著之心。先生们亦都倾其所长，无论从题材画意，还是笔墨题款，都毫无保留的传授。清国学得刻苦，也学得灵活。既从宏观着眼，注意把握大局。又从微观入手，一笔一画，精微描摹。他学习有心，不但揣摩老师们的传授要点，而且重视研究老师各自的画路、画材，并结合自己的特点，有针对地借鉴。
2005年以来，清国进入创作盛期，完成了一批以葡萄，牡丹、荷花和各种农作物为主题的大型画作，像《风雨荷塘图》、《南风吹来望丰年》、《山中惟有茶烟》（2006年），《春雨》、《清溪品茗图》、《石榴韵赋》、《秋馨图》、《云岭寄情》（2007年），水彩画《雪域佛光》、《缤纷净界》、《嵩山雪景》（2008年）都是这一时期的代表。
通观清国以花鸟为主景的作品，早期的作品比较写实，“物之华，取其华，物之实，取其实”，追求朴实的自然美。近期的作品渐趋夸张，带有一定的象征性，透露出较多的理性精神。从上述作品可以明显看出，画家渐由“客观”描摹进入一个主观“臆造”的全新阶段。
在创作构图上，清国着意追求雄浑博大的意境，大视角、特写式镜头强化、夸张花木的奇绝，枝藤的伟岸，从而拉近与观众的距离，造成一种强烈的视觉冲击力，使人随作品迸发出心底的崇高感。我国著名花鸟画家，美术评论家，人民艺术家鲁慕迅先生在其《梅花》作品上题款“漫天飞雪压重峦，独立冰崖展笑颜；根有丹砂花似火，化将光热暖人间”。
为更好的表现和适应大幅画创作的需要，清国运用粗放的大笔，以浓墨、焦墨和重彩，泼洒胸中浩然之气，从而追求朴厚凝重的艺术效果。这种壮美的审美取向预示着清国艺术创作孕育着一场突变。
为迎接这场孕育已久的艺术创作变革，清国先后接受《世界知识画报》、《科技人》和国家机关的邀请，赴京创作巨幅葡萄题材的《珠玑图》、《紫气东来》、《寻诗觅句涉秋园》等画作。他告诉我，近期要重新有选择的读些理论书籍和诗集，拓展意境，滋养笔墨，六十岁以后再进行风格变化，以期探索花鸟人文画的表现方式，展现由修养与能力交融起来的思维，达到直取水墨写意作品的神意格调和主题思想品质。
⑺ 求欣赏课《日出》的教案
一、教学目的：
1、了解戏剧的一些基本知识。
2、体会剧中人物语言的个性化。
二、重点与难点：
1、重点：学习通过矛盾冲突推动情节发展。
2、难点：朗读台词体会人物内心感受。
三、课时安排：两课时
四、教学步骤和内容：
第一课时
一、导入新课：
曹禺，剧作家、戏剧教育家，出身于封建官僚家庭，幼年时的所见所闻对他反帝爱国思想的形成和他一生的创作起了巨大的作用。曹禺剧作在中国话剧史上具有重要地位，《雷雨》和《日出》的发表，是中国话剧创作艺术成熟的标志。他的剧作戏剧冲突尖锐复杂，结构严谨；人物性格鲜明独特，富有典型意义；戏剧语言个性化，且具动作性和抒情性，这些都是剧作成熟的标志。他促进了话剧从“案头剧”向“剧场剧”的发展，曹禺以前，多数剧本主要以阅读欣赏为主。曹禺的《日出》等剧作，具有极好的舞台效果。《日出》是以 30年代初期半殖民地半封建社会中国大都市生活为背景的四幕话剧。它暴露了半殖民地大都市黑暗糜烂面，控诉了“损不足以奉有余”的社会，一方面是剥削者、“有余者”贪得无厌，醉生梦死；另一方面是被损害者，“不足者”备受侮辱，“有余者”和“不足者”形成强烈对比。小职员黄省三走投无路毒死自己的孩子后自尽被救发了疯，剧本描写了他们的悲惨命运，也描写了他的善良、忠厚和倔强的性格。
二、词语解释。
嗫嚅：口动，吞吞吐吐，欲言又止。
世故：处事经验。
凄楚；凄惨痛苦。
喃喃：象声词，连续不断的小声说话的声音。
狞笑；凶恶地笑。
萧条：经济衰微。
三、听录音后，学生分角色朗读
四、了解戏剧艺术知识
戏剧是一种综合的舞台艺术，他借助文学、音乐、舞蹈、美术等艺术手段塑造舞台形象，揭示社会矛盾，反映现实生活。
戏剧种类：A、 按艺术形式不同分成话剧，歌剧，舞剧等；B．按剧情繁简和结构不同，可分为多幕剧，独幕剧；C、按题材反映的时代不同，可分为历史剧，现代剧；D、按照矛盾冲突的性质和表现手法不同，还可分为正剧、喜剧和悲剧等。
剧本的特点：（它是演出的依据和基础。）
第一，剧本必须适应舞台演出，篇幅不能太长，人物不能过多，场景不能过多地变换。
第二，剧本必须有集中、尖锐的矛盾冲突，戏剧冲突发展变化；过程构成剧本的情节结构，情节结构一般分为开端、发展、高潮和结局四个部分。
第三，人物的语言和动作必须符合各自的身份和性格特点。
舞台说明：
写在每一幕的开头、结尾和对话中间的说明性文字，内容包括人物表，时间，地点，服装，道具，布景以及人物的表情，动作，上下场等。
五、《日出》简介
剧作选取了一个豪华大饭店和一个三等妓院作为强烈对比的场景，前者围绕一个交际花陈白露以及糜集在她周围的银行经理、富婆、面首、洋教授，展开了上层社会纸醉金迷的生活；而后者，则环绕着妓女翠喜以及一个被卖到宝和下处的女孩“小东西”的命运，揭示了人间地狱般的黑暗。曹禺通过这种对比鞭挞了那个“损不足以奉有余”的社会制度。
《日出》中李石清、黄省三虽出场不多，但都刻划得入木三分。
六、请几十同学口述课文故事梗概，互相补充和纠正，从而正确了解课文内容。
明确；课文《日出》第二幕的节选。写大丰银行的小职员黄省三哀求银行襄理李石清能让他再回来工作，被李石清冷潮热讽一番并被经理潘月事打昏在地。
七、探究
l、课文戏剧的矛盾冲突是什么？是怎样发展的？
2、从这几次冲突可以看出黄省三怎样的性格特点？
学生讨论明确。
1、这出戏围绕黄省三想复职的问题展开矛盾冲突。课文的开头写黄省三非常卑怯地向李石清求情，理由有：一个月只花银行十三块钱，孩子饿得直叫，银行还在盖大楼，银行还添了新人，让我回来，再累一点也心甘情愿。这些遭到了李石清的反驳：没饭吃，这不是粥厂，银行可以辞人，你讲良心，怪不得你现在这么可怜，谁叫你一大堆一大堆地养孩子。见求情无望，黄省三只好泪汪汪地告辞，看似矛盾冲突已经不存在了、可是刚走两步，黄省三忽然跑回来，因为他无路可走，无处可去，为了饥俄的三个孩子，他只有再次乞求李石清，别无他法。因此受到了李石清的无情羞辱，给他指出了去偷去拉洋车，最后竟唆使他去跳楼自杀。听了李玉清的一番冷酷无情的话黄省三“忽然爆发地悲声”“帮帮我，我不能死，为看我的孩子们，活得再苦我也死不得”、到这里黄省三与李石清发生了一场大冲突。一个残忍冷酷，毫无人性，一个卑怯，懦弱；一个冷言冷语将人往绝路上逼，一个苦苦哀求，呼天呛地。矛盾此时无从化解。接着潘月亭上场，黄有三的下跪求情惹恼了他，厉声地让黄滚开。这时黄省三内心积压已久的怨恨突然暴发出来，他“疯狂似的又哭又笑地抽咽起来”“两手捶胸”“尖锐的声音，不顾一切地”“愤恨地”指责“你们真是没有良心，你们是贼，是强盗， 是鬼啊！你们的心简直比禽兽还不如。”这下完全激怒了潘月婷．矛盾达到了白热化的程度，当潘月婷狠狠给了李石清当胸一拳时，矛盾冲突才得以解决。
2、从以上矛盾冲实可以看出黄省三有如下性格特点：
他非常的卑怯，懦弱。从他的神态动作可以看出．他与李石清的对话显然非常“胆小”；他只会“苦笑”、“他凄凉地”“又卷弄他的围巾”“嗫嚅地”，不断地“乞求”。被愚弄了，竟还会燃起了一线希望”“脸红、不安”“嘴唇自动”“惧怕地”。但为了他的孩子，为了那每月的十三块钱发出愤怒的吼叫。“我现在不怕你们啦！我不怕你们啦！（抓住潘经理的衣服）我太冤了，我非要杀了——”，可以看出他也有反抗、刚强的一面，但只是被逼无奈所为。
八、以上我们对课文白了较深一层的理解，下面我们另请几位同学分角色朗读课文。
九、小结
这场戏的故事情节并不复杂，却写得波澜起伏，扣人心弦、结构严谨完整。简洁紧凑得就像一出独幕剧一样。人物个性鲜明。作者善于在矛盾冲突中刻划人物性格，随着情节的推移，人物的思想也在变化，这是这场或描绘人物性格的特点，这些都是很值得我们学习的。
十、作业
1．完成课后统习一。
2.课外阅读《日出》。
3.以小组为单位，分角色排演这出戏，下节课在班上表演。
第二课时
一、复习旧课
二、继续学习课文
1、理解这篇戏剧的语言特色。
（1）剧中人物语言不仅要表达人物的意图和思想感情；而且要符合人物的身份、性格和所处的特定环境。读一读剧中李石清的几段台同，说说他的个性特点。重点朗读黄省三控诉潘李二人的台词，体会并读出黄省三的内心感受。
（2）试补出破折号所省略的话，并说说剧本这样表达有什么好处。
学生讨论明确：
（1）再读课文黄省三的台词，可以看出黄省三的性格的发展，他原本胆小、懦弱、万般无奈、畏畏缩缩、苦苦哀求。可是他走投无路，哀号、下跪、拉住李石清的手，疯狂地发
出悲声“我不能死”，他求了李石清再求潘月亭，哀求不得时终于开口痛骂；潘月亭的当胸一拳打昏在地。从这件事中可以看出黄省三，从逆来顺受到无力的抗争，绝望的抗争、从未看透李潘之流，存有希望之心，希望他们发善心，到认清“你们是贼。是强盗，是鬼啊！你们的心简直比禽兽还不如——”，自发的反抗意识开始萌发，但他看不到出路而完全绝望，这是他以后走上自尽之路的原因。
剧中李石清的刻划入木三分，他以他个人的所谓经验，无情嘲笑黄省三，“这时候你还讲良心！”他“魔鬼般地狞笑着”告诉黄省三：“你一层一层地爬上去，到了顶高的一层，就可以迈过栏杆，站在边上。再向空向外多走一步！那时候你也许有点心跳，但是只要过一秒，就一秒，你就再也不可怜了，你再也不愁吃，不愁穿了。—－”这段话说起来是那样的轻松自在，那么的冷静理智，真是个毫无人性的冷血的动物。
但是李石清的性格也有他复杂的一面，他训斥黄省三“你这个傻子！这时候你还讲良心！怪不得你现在这么可怜了”；“有钱人的钱可以从人家手里大把地抢，你没有胆子，你怎么不能偷？”“你满肚子的天地良心，仁义道德，你只想凭着老实安份、养活你的妻儿老小，可是连自己一个老婆都养不住，你简直是个大废物，你还能养一大堆孩子！我告诉你，这个世界不是替你这样的人预备的。”这些话也掺杂了“愤世嫉俗”的情绪在里面，表达了他对现实的不满，在剧本第四幕中，升为银行襄理的李石清也被老板无情地解雇了，成了又一个“黄省三”，这真是一个绝妙的讽刺。
（2）文中有三处破折号用得特别好：
①那你可以到街上要——
李石清故意不把话说完，想试探一下黄省三，看他有什么反应，他看到了黄省三脸红不安的样子，似乎有些幸灾乐祸。
②您说，要我去——
对黄省三这样一个胆小怕事的读书人来说，他不敢说出，也羞于说出这个“偷”字来，他没有这个胆量。
③我太冤了，我非要杀了——
黄省三被逼急了，发出绝望的吼叫“我非要杀了你”。但是面对潘月亭的怒喝“什么！”被吓住了不敢说出“你”。对黄省三的怯弱李石清早已看透了：“他说他要杀他自己——他这样的人是不会动手害人的”。
3．学生上台表演，互相评析，进一步理解课文内容。
三、小结
通过这个剧本的学习，我们认识了戏剧的一些基本常识，剧本描绘了“不足”者的备受欺凌，小职员黄省三走投无路毒死自己的孩子后自尽被救发了疯。剧本正是通过对下层人物的描写，反映了20世纪30年代半殖民地中国大都市光怪陆离的社会，表达了控诉“损不足以奉有余”的黑暗社会的主题。
四、作业：
课后练习五、六。
⑻ 浅谈如何进行美术欣赏课教学
必然会使得本应充满活力的艺术学科在学生面前变得黯然失色。那么，如何克服这种求知的浮躁，让他们爱上这个课堂，在课改的大背景下，作为一名高中美术教师，如何与时俱进，上好一堂美术课是摆在我们面前的一个重要课题。 [关键词]：角色观念；因材施教；互动；结合实际 新课程标准指出：“应通过美术学习，使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性，人类社会的丰富性，并在一种广泛的文化情境中，认识美的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。”这就是说。跨入新世纪，社会发展对未来教育和人才培养提出了新的要求，传统的教育观年和教育模式已经不能适应新时期的要求。作为处在改革阵地前沿的教师，在具体的教学实践中应该如何培养学生参与课的能力，如何上好美术课，让学生爱上美术课，本文将从如下几个方面方面来谈谈笔者的见解与体会。 一、转变教师角色与观念是上好美术课的重要前提 当课程由专制走向民主，由封闭走向开放，教学被看成是师生交往，积极互动，共同发展的过程。在这一过程中，教师与学生将分享彼此的知识和经验，交流彼此的感受和体验。我认为，教师的角色可以做出相应的转变。教师不再是知识的传播者和管理者，而是学生发展的促进者和引导者。教师由教学中的主角转向“平等中的首席”。为了能充分调动学生积极性和参与性，我对每个要点都尽可能的以问题的形式提问学生：例如在《原始人的创造》一课中，当我问到有人说原始美术起源于劳动，有人说原始美术起源于游戏，有人说原始美术起源于巫术，你倾向于那种观点，谈谈自己的看法时？有的同学说：“游戏”也有的同学说：“巫术”还有同学说：“劳动”。突然我听到有个同学轻声到：“也许三个可能都有”。是呀，为什么不可能是三个都有呢？他们是相辅相成，共同催近的呢？这位同学看似不太守纪律的话到提醒了我，这样的问题他们提的多好呀？于是我马上微着鼓励那个提问题的同学把刚才的问题再说一遍，请其他同学也回答一下，结果一些同学都认同他的观点，因为游戏也存在于劳动中，劳动的丰收又和巫术紧密相连，巫术又是可能通过游戏的方式表现出来的。等他们发表了自己的看法后，我在此基础上通过实例与他们一起来分析原因。 其次，教师要引导学生寻找，收集和利用学习资源，营造开放式的课堂气氛。让学生始终在课堂上处于一种积极的，活泼的，兴奋的状态。引导学生围绕问题的核心进行探索和讨论，建立和谐，民主，平等的师生关系。引导学生分享彼此的思想成果，并重新审视自己的想的下一代。 二、结合实际，教学形式多变以吸引学生是上好美术课的重要保证 在美术欣赏的教学中，为保证学生对美术欣赏课的兴趣的持久性，避免学生产生厌学情绪，笔者多采取不同的方法进行教学。 其一、教师授课结合现代化的多媒体教学手段。 将一些优秀的作品汇集在一起，在欣赏过程中，将不同地区的风土人情、地域地貌、人文景观、历史等等有机组合在一起，再配上当地音乐，让学生有身临其境的感受，更深入地了解作品的内涵。 其二、教师的授课方式不能光唱独角戏，做好师生互动。 在欣赏与学习的过程中，教师要给学生发表自己观点的机会，而不能从头讲到尾，即便教师运用动听的语调，做到声情并茂，学生还是会感到枯燥无味。因此，让学生积极参与讨论问题，教师及时接收反馈信息，以提高教学效果。 其三、教师在授课过程中可以适当强化美术作品相关故事情节的讲述，以此激发学生对美术课堂学习的兴趣。 在美术欣赏课上，要充分调动学生的积极性，充分发挥学生的个性特点,通过引入与美术作品有联系的事物或知识，来引导学生对美术作品的理解，以达到欣赏的目的。这样，不仅能提高同学们对美术欣赏课的兴趣，而且也利于对美术作品的理解，还可以加强与学科之间的联系和拓宽知识面。例如《美术家眼中的自己》一课的教学活动是“尝试为自己画一幅自画像，并与同学交流一下自己的感受；或者从相册中挑出你认为最能体现自己个性特点的一张或几张照片，谈谈自己喜爱的理由”，按旧的标准来说，这样的课根本没有“知识点”。我认为它的目标之一就是培养每一个人个性化的审美观。又如《战争与和平》的教学设计中我要求学生以毕加索《格尔尼卡》为参照，以南京大屠杀为题创作一副作品。学生通过作品表现了对战争的反思，表达出如何才能让惨剧不在重演，让和平永驻人间的美好情感，绘画的训练要求为这种情感提供了表现和宣泄的载体。再如《我们怎样运用自己的眼睛》，这一课的标题就很能说明编者的意图，每个学生的眼里都有一个属于自己的王国，他们在欣赏艺术作品中寄托的情感就很不一般，这样非常有利于培养学生对自己个性审美和想象的肯定与自信。 三、以点代面用比较的方法进行美术欣赏教学是上好美术课的最终目的 “教学有法却无定法，教无定法乃至法”。欣赏教学工作也应当是一个创造活动；在欣赏教学中必须采取合适的多样的教学方法，结合一定的多媒体手
⑼ 高中美术鉴赏
你要的是不是这这种——上篇
第一单元 美术与眼睛
第一课专 什么是美术作属品
第二课 图像与眼睛
第三课 我们怎样运用自己的眼睛
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第二单元 勰煌的美术历程
第一课 原始人的创造
第二课 礼仪与教化
第三课 心灵的慰藉
第四课 人间生活
第五课 审美自律
第六课 从传统到现代
第七课 新的实验
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中外美术年表
下篇
第三单元 灿烂的美术世界
美术与自我、社会
第一课 追寻美术家的视线
第二课 美术家眼中的自己
第三课 托物寄情
第四课 审美变化中的自我
第五课 进入历史
第六课 战争与和平
第七课 时代的脉搏
第八课 不同的歌声
第九课 各异的风土人情
第十课 通俗的浪潮
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美术与自然、环境
第十一课 变幻的自然万象
第十二课 地域的永恒魅力
第十三课 异域的憧憬
第十四课 走进博物馆
相关链接
……
⑽ 高中美术鉴赏三种课型模式有哪些
新课程标准指出：“应通过美术学习，使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性，人类社会的丰富性，并在一种广泛的文化情境中，认识美的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献。”这就是说。跨入新世纪，社会发展对未来教育和人才培养提出了新的要求，传统的教育观年和教育模式已经不能适应新时期的要求。作为处在改革阵地前沿的教师，在具体的教学实践中应该如何培养学生参与课的能力，如何上好美术课，让学生爱上美术课，本文将从如下几个方面方面来谈谈笔者的见解与体会。
一、转变教师角色与观念是上好美术课的重要前提
当课程由专制走向民主，由封闭走向开放，教学被看成是师生交往，积极互动，共同发展的过程。在这一过程中，教师与学生将分享彼此的知识和经验，交流彼此的感受和体验。我认为，教师的角色可以做出相应的转变。教师不再是知识的传播者和管理者，而是学生发展的促进者和引导者。教师由教学中的主角转向“平等中的首席”。为了能充分调动学生积极性和参与性，我对每个要点都尽可能的以问题的形式提问学生：例如在《原始人的创造》一课中，当我问到有人说原始美术起源于劳动，有人说原始美术起源于游戏，有人说原始美术起源于巫术，你倾向于那种观点，谈谈自己的看法时？有的同学说：“游戏”也有的同学说：“巫术”还有同学说：“劳动”。突然我听到有个同学轻声到：“也许三个可能都有”。是呀，为什么不可能是三个都有呢？他们是相辅相成，共同催近的呢？这位同学看似不太守纪律的话到提醒了我，这样的问题他们提的多好呀？于是我马上微着鼓励那个提问题的同学把刚才的问题再说一遍，请其他同学也回答一下，结果一些同学都认同他的观点，因为游戏也存在于劳动中，劳动的丰收又和巫术紧密相连，巫术又是可能通过游戏的方式表现出来的。等他们发表了自己的看法后，我在此基础上通过实例与他们一起来分析原因。
其次，教师要引导学生寻找，收集和利用学习资源，营造开放式的课堂气氛。让学生始终在课堂上处于一种积极的，活泼的，兴奋的状态。引导学生围绕问题的核心进行探索和讨论，建立和谐，民主，平等的师生关系。引导学生分享彼此的思想成果，并重新审视自己的想的下一代。
二、结合实际，教学形式多变以吸引学生是上好美术课的重要保证
在美术欣赏的教学中，为保证学生对美术欣赏课的兴趣的持久性，避免学生产生厌学情绪，笔者多采取不同的方法进行教学。
其一、教师授课结合现代化的多媒体教学手段。
将一些优秀的作品汇集在一起，在欣赏过程中，将不同地区的风土人情、地域地貌、人文景观、历史等等有机组合在一起，再配上当地音乐，让学生有身临其境的感受，更深入地了解作品的内涵。 其二、教师的授课方式不能光唱独角戏，做好师生互动。
在欣赏与学习的过程中，教师要给学生发表自己观点的机会，而不能从头讲到尾，即便教师运用动听的语调，做到声情并茂，学生还是会感到枯燥无味。因此，让学生积极参与讨论问题，教师及时接收反馈信息，以提高教学效果。
其三、教师在授课过程中可以适当强化美术作品相关故事情节的讲述，以此激发学生对美术课堂学习的兴趣。
在美术欣赏课上，要充分调动学生的积极性，充分发挥学生的个性特点,通过引入与美术作品有联系的事物或知识，来引导学生对美术作品的理解，以达到欣赏的目的。这样，不仅能提高同学们对美术欣赏课的兴趣，而且也利于对美术作品的理解，还可以加强与学科之间的联系和拓宽知识面。例如《美术家眼中的自己》一课的教学活动是“尝试为自己画一幅自画像，并与同学交流一下自己的感受；或者从相册中挑出你认为最能体现自己个性特点的一张或几张照片，谈谈自己喜爱的理由”，按旧的标准来说，这样的课根本没有“知识点”。我认为它的目标之一就是培养每一个人个性化的审美观。又如《战争与和平》的教学设计中我要求学生以毕加索《格尔尼卡》为参照，以南京大屠杀为题创作一副作品。学生通过作品表现了对战争的反思，表达出如何才能让惨剧不在重演，让和平永驻人间的美好情感，绘画的训练要求为这种情感提供了表现和宣泄的载体。再如《我们怎样运用自己的眼睛》，这一课的标题就很能说明编者的意图，每个学生的眼里都有一个属于自己的王国，他们在欣赏艺术作品中寄托的情感就很不一般，这样非常有利于培养学生对自己个性审美和想象的肯定与自信。
三、以点代面用比较的方法进行美术欣赏教学是上好美术课的最终目的
“教学有法却无定法，教无定法乃至法”。欣赏教学工作也应当是一个创造活动；在欣赏教学中必须采取合适的多样的教学方法，结合一定的多媒体手段，充分调动激发学生的兴趣，充分尊重学生的学习主体，紧紧围绕形象展开活动。引导学生发掘每件作品中独自特有的最突出、最本质、最感人的美点，并能对其做深刻分析，让学生在一次又一次的剖析中发挥创造和想象，逐渐培养他们的艺术修养和创造性审美能力。要教会学生运用一定的理论去学习对美术品的欣赏，通过感知与体验对美术作品作出正确的认识，正确的把握创作者的思想意图评价，最后教会学生掌握欣赏的基本方法让学生能够独立自主的进行欣赏，以此达到提高审美的教学目的。